rodolfo agrella

Come And Touch!

2011-03-31T17:15:00.000-07:00

Aquí si puedes tocar!

Del Martes 12 al Domingo 17 de Abril el trópico se hace palpable en el C24 de la 14ta Edición del SaloneSatellite, 50 de I Saloni, pabellon 22|24, la única muestra donde puedes tocar...

Abierto desde las 9am hasta las 7pm

I Saloni 2001 Fiera Milano. Rho

SaloneSatellite

2011-03-31T17:08:00.000-07:00

I Saloni

Del 12 al 17 de Abril

Fiera di Milano, Rho.

Milano.

La feria de diseño más importante del globo llega a sus 50 añitos, festejando a lo grande, botando la casa por la ventana. Milano transforma su escenografía en espacios llenos de objetos utilitarios, bellos y estables, las calles de la ciudad de impregnan de color y mucho movimiento, la ciudad vive.

Inserto dentro de la Feria, el SaloneSatellite es la vitrina avant-garde del diseño, en unos pocos metros cuadrados, una centena de jóvenes diseñadores, cuyo proyecto ha sido seleccionado entre miles, exponen lo que será el producto del futuro. Alli la plataforma de conexion industria-diseñador se presenta en todo su apogeo. Allí, en 16 metros cuadrados estaré este año, llevando el trópico a Milano.

1:1 Superficies de Contacto

2010-11-08T08:17:00.000-08:00

Muestra Individual

22 de Septiembre al 22 de Octubre 2010

Hotel Paseo Las Mercedes, Nivel PP

Curaduría de Valerie Brathwaite

La línea de investigación plástica desarrollada a lo largo de varios años por Rodolfo Agrella parte de las nociones arquitectónicas de espacio límite y de cómo éste se convierte en ámbito habitable por el ser humano. El cuerpo se presenta como recinto y la piel como frontera, un perímetro orgánico y flexible que nos permite interactuar con el otro y al mismo tiempo protegernos. Bajo esta perspectiva, su obra busca descifrar cuánto de esa frontera física cedemos al interactuar con otro, cuánta superficie en metraje cuadrado se comparte.

Las 22 muestras presentadas en esta instalación se produjeron mediante un sistema de exploración desarrollado por el artista, este sistema de registro contempla un emisor y un receptor del contacto, traducidos en innumerables colaboradores dispuestos a teñirse la piel con pigmentos especiales y a generar una huella en el receptor, Rodolfo Agrella. Al plasmarse el saludo sobre la piel del receptor marcando la zona de contacto con una mancha, ésta pasa inmediatamente a una superficie milimetrada diseñada específicamente para este proyecto. Esta muestra es luego digitalizada y procesada por un software de arquitectura donde se ubica el área en metraje cuadrado.

Al compás de la toma de muestras, se vacía la data del proceso en fichas de cuantificación con los porcentajes de superficies palpadas, la zona anatómica del contacto y el tipo de relación existente entre el emisor y el receptor, estimulando el análisis de las fronteras mentales de los participantes yuxtapuestas a los datos físicos.

En 1:1 SUPERFICIES DE CONTACTO, se plasman los límites sensoriales y físicos del contacto entre dos personas, invitándonos a dialogar frente a frente, cuerpo a cuerpo, dentro de un sistema cartesiano a escala, con aquello que sentimos y no vemos, paseándonos entre la sensualidad del lenguaje orgánico del cuerpo y la rigurosidad científica del cálculo de áreas resultantes del encuentro.

Prensa:

http://talkceeipc.blip.tv/file/4341957/

http://www.talcualdigital.com/Avances/Viewer.aspx?id=40944&secid=7

http://www.facebook.com/note.php?note_id=435728341566

http://www.facebook.com/note.php?note_id=445264126566&id=1159193429

1:1 Superficies de Contacto

2010-09-16T10:12:00.000-07:00

1:1 Superficies de Contacto inaugura el próximo miércoles 22 de Septiembre, a partir de las 7:30 p.m. en los espacios expositivos del nivel PP del Hotel Paseo las Mercedes. Siendo esta la primera muestra individual del novel arquitecto, comunicador visual y artista plástico, Rodolfo Agrella.

Luego de años de experimentación y desarrollo de su proyecto plástico de Registro de Superficies, Rodolfo Agrella nos presenta en su primera individual una selección de piezas que plasman los límites sensoriales y físicos del contacto entre dos personas. Insertos dentro de un sistema de ejes cartesianos a escala 1:1, Agrella nos invita a dialogar frente a frente, cuerpo a cuerpo, con aquello que sentimos y no vemos, en 1:1 Superficies de Contacto el artista nos pasea entre la sensualidad del lenguaje orgánico del cuerpo y la rigurosidad científica del cálculo de áreas resultantes del encuentro.

Hotel Paseo Las Mercedes

Nivel PP

desde el 22 de Septiembre al 22 de Octubre.

Brasil Reimaginado

2010-09-14T07:15:00.000-07:00

Curaduría de Guillermo Barrios

Muestra Colectiva

Auspiciada por el Instituto Cultural Brasil Venezuela, la Castellana.

“Brasil reimaginado celebra la puesta en línea de la Biblioteca Digital de Documentos Históricos de la UNESCO y la presencia descollante de Brasil en esta importante colección disponible en línea. Trece artistas plásticos venezolanos han sido invitados a seleccionar e intervenir, de acuerdo a sus respectivos lenguajes creativos, un grupo de cartografías y pictografías resguardadas allí. Las piezas originales, realizadas entre los siglos XV y XVIII, fueron en su mayoría libérrimas recreaciones, a distancia, hechas por eruditos cartógrafos y grabadistas europeos a partir de anotaciones que ingenieros militares, colonos y visitantes ponían al servicio del reconocimiento y comprensión del espacio continental del Nuevo Mundo.

Desde una nueva lejanía, en el tiempo y en el espacio, nuestros artistas trabajan hoy estas representaciones —sus descripciones planimétricas propiamente dichas, sus ornamentos, delicadas escenas y viñetas— para proponer un excitante imaginario de reinterpretación de este vasto territorio de papel” Guillermo Barrios

Artistas participantes

Luis Romero

Rodolfo Agrella

Elsy Zavarce

Ricardo Benaim

Eddy Chacón

Ricardo Sanz

Sandro Pequeno

José Antonio Vásquez

Valentina Álvarez

Ramsés Larzábal

Waleska Belisario

Isabel Cisneros

Lourdes Peñaranda

Lo que presento es la expropiación del territorio, eliminando el límite demarcado por la superficie de tierra y borrando todo trazo de información mediante el calado y la pintura acrílica negra. Borrar, para poder imaginar.

Salón Supercable Jóvenes con FIA 2010

2010-09-14T07:08:00.000-07:00

Donde Cabemos Todos

Curaduría de Nidia Gutiérrez

Somos Marionetas.

La línea de investigación que presento, se desarrolla bajo el estudio de los fenómenos urbanos de manipulación, expresados en las tramas de cableados aéreos del transporte público y de los sistemas eléctricos de la ciudad. Estas tramas se posan sobre nuestras cabezas y dictaminan nuestro movimiento, a dónde y cómo debemos ir, nos manipulan como títeres.

Formalmente, estas estructuras de cables generan barreras que se traducen en fronteras imaginarias, perceptibles por nuestro subconsciente. El Proyecto Somos Marionetas, seleccionado por la curaduría de Nidia Gutiérrez para el XIII Salón Supercable Jóvenes con FIA del 2010, evidencia dichas fronteras, transportando al espacio expositivo la situación urbana, mediante recursos de carácter industrial.

Guayas, cableado de goma vulcanizada y estructuras metálicas conforman la instalación, dispuesta diagonalmente de pared a pared en la sala de exhibición, bañada por proyectores de alto voltaje que arrojan sombras superpuestas en las paredes y pisos del espacio evidenciando el límite, incluyendo al espectador dentro de un ámbito delimitado, casi agobiante. Conjuntamente se muestra una selección de 100 imágenes del registro de estos sistemas en diversas partes del mundo, Milán, Seattle, San Francisco, Caracas y Valencia, dispuestas en conjunto a manera de franja de peligro, como carnada para entrar al espacio confinado por las franjas proyectadas.

Somos Marionetas en Jóvenes con FIA

2010-06-07T16:36:00.000-07:00

Salón Supercable Jóvenes con FIA/XIII Edición
DONDE CABEMOS TODOS

“El título del XIII SALÓN SUPERCABLE JÓVENES CON FIA no obedece a una intención exclusivamente política por parte de la curaduría, aunque sin duda la implica. Como afirmación o como pregunta, la expresión adquiere una connotación muy pertinente en la actual situación política del país y por eso sintetiza el proyecto; es justamente la necesidad de fomentar la tolerancia en nuestras actuaciones públicas lo que anima la posición incluyente frente al panorama de creadores menores de treinta y cinco años del Salón, en el entendido de que una posición tal se abre, desde ya, a las opiniones del antagonismo y la diferencia que caracterizan un gesto público democrático.
Esta exposición se sustenta en la reflexión sobre dos nociones convocadas desde el enunciado por un Salón, y dirigido a Jóvenes: esas son territorio y contemporaneidad. Sobre la idea de territorio, tradicionalmente ligada al campo geopolítico, me propongo verlo bajo otros parámetros, luego de que el arte contemporáneo ha recurrido a estrategias que han debilitado tanto la figura del artista como la definición del objeto artístico, y sobre todo, como su estrategia de desbordamiento de las disciplinas tradicionales del arte (pintura, escultura, arquitectura), lo ha imbricado en su contexto hasta el punto de llegar a diluirse en él. Otras nociones adquirieron importancia a la hora de abordar el territorio para la selección de artistas para el Salón de Jóvenes con FIA en Caracas, en el 2010: el territorio se ofrece a nuevas interpretaciones desde el arte, en particular por influencia, entre otras, de la noción de geoestética, y por efectos de la globalización y la expansión de las redes comunicacionales de todo tipo. La globalización, y las complejas interconexiones que facilita, son vistas aquí como factores que a la par que tienden a homogeneizar las culturas, también potencian las posibilidades de lecturas múltiples y ambivalentes de los fenómenos y con ello una actitud crítica frente a las opciones abiertas”…
Nydia Gutiérrez
Curadora

10 de junio al 25 de julio

Centro Cultural Corp Banca
La Castellana

Sexo por Sexo

2010-03-31T16:16:00.001-07:00

Superficies de Contacto Sexual

Sexo al Cuadrado.

Para la Sociedad Contemporánea, el hecho de haber un espacio propio es sinónimo de lujo, unos pocos metros cuadrados bastan para pasar de escalafón social, mientras más área se posea, mayor será la suntuosidad del que disfruta y comparte. Mayor el lujo que se posee.

Basado en ese principio espacial-socio-cultural, extrapolando esta teoría a las relaciones interpersonales y con la clara convicción de que la única superficie que verdaderamente poseemos los seres humanos es la propia piel, contacto inmediato con el entorno y órgano mas grande del cuerpo, surge la idea de descifrar cuál es la cantidad de superficie que cedemos al otro a la hora de tener relaciones sexuales. ¿Cuanto de nuestro propio y único espacio compartimos? por ende: ¿Qué tan lujosa es la relación sexual?

Para descifrar estas interrogantes surge el Proyecto Sexo2, que estudia a manera de laboratorio experimental de arquitectura el metraje cuadrado de las relaciones sexuales. Para ello se ha diseñado un sistema de observación y toma de muestras, al cual se someten los diversos voluntarios, desde parejas consolidadas, solteros y trabajadores sexuales. Estas muestras tomadas durante el acto sexual, traducidas en manchas que expresan las zonas de contacto son luego digitalizadas mediante un software de arquitectura que permite el cálculo del metraje cuadrado del coito.

A partir del área obtenida en la muestra, se genera un volumen de forma orgánica, que responde exactamente al metraje cuadrado de la relación a una escala determinada. La pieza de carácter monocromático plasma las huellas digitalizadas del coito registrado, dispuestas sobre una base infográfica de todo el proceso.

Rodolfo Agrella.

Los Campana

2010-03-31T15:39:00.000-07:00

Workshop de los Hermanos Campana en Caracas.

Fundación Cisneros / Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la UCV

1 y 2 de Marzo de 2010

Impulso de Marva Griffin, venezolana, presidenta del Salón Internación del Mueble en Milán, creadora del Salón Satélite y precursora de los jóvenes talentos del diseño nacional, en mancomunado esfuerzo con la Fundación Cisneros y la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela, llegaron los Hermanos Campana a la ciudad de Caracas.

Bajo una estricta lista, filtrada por la misma Marva Griffin, se realizó la convocatoria a los 20 participantes del taller. Sin información alguna llegamos puntuales el día de inicio, inmediatamente se planteó la única premisa: hacer un objeto de carácter utilitario en unas cuantas horas, con maderas y artículos reciclados, manejar el material para que éste nos hablara y dictara su propia forma, olvidar los prejuicios.

Bajo el ojo vigilante de Humberto y Fernando, en compañía de Paola Antonelli, quien es curadora del departamento de Design del Museo de Arte Moderno de New York (MoMA) y la misma Sra Griffin, transcurrió el workshop.

Aserrín, pega, clavos, martillos, mucho ruido y retroalimentación, generaron las piezas que luego serían expuestas en la Sala de Exposiciones de la FAU-UCV.

Mesa-Taburete Bululú by Rodolfo Agrella

Bajo el nombre de Cornelis Zitman se bautizó el premio otorgado por la FAU-UCV y la empresa de mobiliario Capuy, acreditado a la dupla de Pablo Soto y Anik Meijer, en segundo y tercer lugar lo obtuvieron Carolina Siefken y el combo de Maria Antonia Godigna y Anabella Georgi.

Transorgánicas

2010-03-16T09:50:00.000-07:00

X Velada de Santa Lucía

Maracaibo con Oficina #1

Valerie Brathwaite, Rodolfo Agrella, Toni Arellano, Leonardo Nieves y Daniel Reynolds

trans-.

(Del lat. trans).

1. pref. Significa 'al otro lado', 'a través de'.

orgánico, ca.

(Del lat. organĭcus).

1. adj. Dicho de un cuerpo: Que está con disposición o aptitud para vivir.

2. adj. Que tiene armonía y consonancia.

Aún cuando las propuestas presentes en Transorgánicas se vinculan estrechamente desde el punto de vista formal, las mismas contienen un trasfondo conceptual disímil que se traduce en formas afines que remiten al concepto de lo orgánico presente en la naturaleza. La noción que reposa detrás de cada una de estas piezas varía de un artista al otro, y la investigación previa realizada por ellos para lograr las mismas es lo que nos ocupa.

Desde el comienzo de su carrera artística en los años 60, Valerie Brathwaite (n. 1940) encontró inspiración en las formas de la naturaleza: plantas, flores y piedras, han sido recurrentes en su quehacer artístico. Brathwaite, quien ha experimentado con los más diversos materiales, desde esculturas de cemento a gran escala, y formas vaciadas en metal y yeso, se ha planteado el uso de materiales más blandos y manejables, tales como la tela y el papel con los que realiza su obra más reciente. Las esculturas en tela incluidas en esta selección no se desprenden de su búsqueda inicial, sus formas nos remiten a la de maleables reptiles que se enroscan o estiran a su antojo, islas flotantes en medio de grandes océanos, o piedras y cántaros de cal.

Por su parte, Rodolfo Agrella (n. 1984), aborda la relación establecida entre cuerpo y espacio tras un minucioso estudio de las relaciones interpersonales de quienes lo ocupan. Las formas escultóricas que nos presenta el artista, son el resultado de la toma de impresiones que surgen tras la interacción de los seres humanos: un beso, una caricia, el intercambio sexual, son registrados por el artista para luego ser procesados digitalmente y convertirlos en un objeto tridimensional. Estos entes, elaborados con espuma de polietileno expansiva y revestidos con yeso y acrílico, retoman el color elegido por Agrella para pintar a quien realiza la acción a registrar, cuyas huellas posteriormente son reordenadas e instaladas en el espacio con la intención de realizar una síntesis visual de ese instante.

Toni Arellano (n. 1968), utilizando como escenario la arena y los surcos de la misma, se vale de una propuesta fotográfica para abordar la relación entre hombre y paisaje. En su trabajo estudia la analogía existente entre diversos objetos (desechos orgánicos e inorgánicos) abandonados en la orilla del mar y ciertas sombras suscitadas por él. Arellano dibuja y plasma sus composiciones en la playa, transformando el paisaje natural, al cual le otorga un nuevo significado.

El trabajo de Leonardo Nieves (n. 1977) se nutre de la cotidianidad; en sus recorridos diarios - como un pintor viajero - se sirve de la técnica del frottage para recoger las texturas de objetos y escenarios que pueblan el paisaje urbano. Estos vestigios recolectados por Nieves, son posteriormente reorganizados a través de los dibujos-tonner que realiza tras la digitalización, manipulación y fotocopiado de las mismas. Rastros tomados de diferentes elementos, tales como grietas en el suelo, vidrios acanalados, maderas, entre otros, dialogan entre sí a la vez que construyen un universo vegetal presente en la obra de este artista: mini dibujos encapsulados, los cuales parecieran listos para ser estudiados en un laboratorio tal como si se tratase de un virus u otros microorganismos que requieren del acercamiento del espectador para ser apreciados, y una serie de pinturas en las que se distinguen diversas capaz de tramas sobrepuestas que hacen referencia a superficies pétreas tales como el cemento y el granito, entre otras.

Reynolds (n. 1961), presenta una propuesta que conjuga cerámica y fotografía al documentar la hechura de múltiples muñecos de nieve en la ciudad de Londres tras la nevada ocurrida en febrero de 2009, la más fuerte registrada en la ciudad desde 1991. Ese día los londinenses se abocaron a las calles para disfrutar de este fenómeno natural e intervinieron el paisaje con numerosas y grandes esculturas: formas efímeras que poblaron el paisaje de aquella ciudad y que contradictoriamente nos acompañan durante los días cálidos de esta décima edición de la Velada de Santa Lucía.
Mónica Quintini Wissmann

Oficina # 1, Galpón 9, Centro de Arte Los Galpones, Av. Ávila con 8va Transversal. Los Chorros, Caracas. / www.oficinanumero1.com / oficinanumero1@gmail.com

Ciudad Universitaria de Caracas. Construcción de la Utopía Moderna

2010-03-15T06:46:00.000-07:00

Fundación Centro de Arquitectura

2009

Textos

María Fernanda Jaua

Ana María Marín

María Antonia Rodríguez

Concepto Gráfico, Desarrollo y Coordinación Editorial

Rodolfo Agrella

Ciudad Universitaria de Caracas. Construcción de la Utopía Moderna, es una selección de los materiales correspondientes al expediente de postulación a la Lista de Patrimonio Mundial entregado a UNESCO en 1999. La Ciudad Universitaria de Caracas fue declarada Patrimonio Mundial en la vigésimo cuarta asamblea ordinaria del Comité de Patrimonio Mundial, celebrada en Cairns Australia, el 2 de diciembre de 2000, año del centenario del nacimiento de su autor, Carlos Raúl Villanueva.

Ciudad Universitaria de Caracas. Construcción de la Utopía Moderna contiene: Los principales datos del bien presentados en el punto “Identificación de la propiedad”. El texto y las imágenes del apartado “Declaración de Valor”, en donde se establecen, exponen y explican los valores que posee y representa la Ciudad Universitaria de Caracas, con base a los cuales fue declarada Patrimonio Mundial y es considerada entre las más relevantes obras de la arquitectura moderna mundial. Finalmente, una selección de los dibujos, fotografías y datos presentados en el apartado “Descripción de la propiedad”, en forma de CD-ROM interactivo, que permite el acceso y la difusión de una gran parte del material producido, y que cumplirá en buena medida la intención original de contribuir al conocimiento y estudio de esta importante obra. Los valores expuestos en el texto que se presenta, ilustrados en la publicación impresa y ampliamente detallados en la publicación digital, se pueden observar a lo largo de toda la Ciudad Universitaria de Caracas. Quien recorra sus espacios con mirada atenta, podrá descubrir estos y otros por si mismo, y sobre todo disfrutarlos, con lo cual podrá entender la imperiosa necesidad de cuidarla y preservarla. Esta es la aspiración fundamental de esta publicación.

Iluminati Modernos

2010-02-14T08:08:00.000-08:00

12 Apóstoles de la luz

“…De la religión de consumo no escapa ni el consumo de la religión, presentada como un remedio milagroso, capaz de aliviar dolores y angustias, garantiza prosperidad y alegría. Mientras tanto, El tiene hambre y no le dan de comer” (Mateo 25, 31-40).

Biblias múltiples de difusión mensual, dictaminadas por los nuevos Iluminati o El Clero del Marketing - similar al que labora en el Vaticano y no por ello menos producido – se regula nuestro viaje a lo celestial o al purgatorio de la nueva religión, la religión que todos profesamos y a veces renegamos, la Religión de Consumo, que percola los sólidos muros de piedra de los templos, transformándolos en vitrinas paganas, llenas de etiquetas y luces de neón, iluminando los objetos que nos convierten en deidades fetichistas milagrosas.

Estas 12 imágenes-apóstoles, tomadas del registro propio de las vitrinas del pueblo de Luján en Argentina, paralelas a imágenes encontradas en la web que contemplan campañas publicitarias de casas de moda, artículos de belleza, cuadros de grandes piezas del cine, portadas de discos e incluso artículos comestibles, ensamblan los lineamientos del nuevo consumo iluminado, convirtiéndonos en objetos a consumir por el flash de la sociedad.

Las Aguas Mansas

2009-07-08T07:21:00.000-07:00

Danza en la Atlántida

Dirección artística, Revista Velvet. #3 Verano 2009

Concepto Global, Concepción cromática, Selección de vestuario, Figuras de Nado.

Fotografía: RAM / Dirección Artística Producción: Rodolfo Agrella / Director Creativo: Carlos Flores León-Márquez / Nadadoras : Sport Center Los Naranjos / Catering Le Bistro

Hechos en Venezuela

2009-06-24T15:00:00.000-07:00

Genérico de estética morfológica.

Revista Club # 40. Huella Urbana

Sección Calles de Fuego.

Concepto. Fotografías y Texto. Rodolfo Agrella

Editor. Gonzalo Peña.

La visión estética del término identidad, necesariamente conduce a la aceptación del todo a través del conocimiento de sus partes. A investigar y encontrar dentro de éste lo más representativo, lo que otorgue una imagen colectiva. A transitar el sendero sinuoso de múltiples subjetividades y opiniones que lleven a un eslabón flexible que agrupe – o por lo menos, intente agrupar- una representación o propuesta de imaginario social. En nuestro caso, como amantes de la belleza, la búsqueda de este genérico pasa por el filtro visual, a la caza de individuos que puedan representar su propia existencia y darse una imagen estable y duradera de sí mismos, un patrón de belleza real que se bede tomar en cuenta, canon de estilo y fisonomía, con el aditivo de estar enraizado en el entorno. La búsqueda contemporánea de este eslabón se procura mediante el registro fotográfico de casi cien personas de ambos sexos, seleccionadas al azar en las calles de Caracas y Valencia, sin conocimiento de su nombre, apellido, condición social, creencia religiosa, nivel de instrucción, sector donde vive y cuantas variables surgen al momento de hacer un estudio de mercado, generando así una base de datos de morfologías estéticas y fenotípicas del venezolano. El lente - desinhibido y objetivo, como ojo mecánico que es – observaba al sujeto que estaba delante, sin tabú, ni prejuicios. En su justa realidad. Con las paredes urbanas como único fondo.

El catálogo que a continuación presentamos, pasó por la mirada acuciosa de reconocidos y noveles estetas a quienes se les pidió la difícil y delicada tarea de seleccionar tres ejemplares de cada género – masculino y femenino- que respondieran al concepto estético o visión personalísima que tienen del venezolano común que transita por estas calles. Figuras del diseño de moda, artistas plásticos, coleccionistas de arte, directores artísticos y fotógrafos, luego de la visualización y análisis de las fotos procedieron a seleccionar a los individuos más cercanos a ese Genérico de estética morfológica del venezolano

A partir de él y ella, hemos desarrollado un sistema de nuevas proporciones que pretende, solamente, hacer un boceto para delinear, escudriñar, proponer y descubrir la fisonomía y rasgos corporales del ser humano promedio en la Venezuela contemporánea. Gente de todos los días. Gente palpable. Gente que representa al común denominador. Gente, verdaderamente, hecha en Venezuela.

Infinitas gracias a Angel Sánchez, Alberto de Castro, Roberi Parra, Carlos Zerpa, Milagros Maldonado, Laili Lau, Mariadelina Vera, Maria Fernanda Maragal, Mariantonia Blanco, Natalia Brand y Valerie Brathwaite, quienes recibieron con brazos abiertos la propuesta y dictaminaron un certero resultado.

Series

2009-06-24T13:41:00.000-07:00

Sistemas serigrafiables

Desarrollados a partir de la obra fotográfica, escultórica, arquitectónica y gráfica que he venido ejecutando a lo largo de varios años. La denominación de Sistemas Serigrafiables parte del proceso de ejecución de los mismos, constituido por el engranaje de partes, que pueden ser sustituidas por otras, manejando así diversos discursos dentro de una misma obra.

mayor información en rodolfo.agrella@gmail.com

Manifiestos

2009-06-24T12:47:00.000-07:00

Ornamento si, delito no!

El ornamento ha jugado un papel preponderante en la historia de generar espacios, su primigenio carácter mágico-religioso se vio truncado por mera banalidad, lejos de anclajes a la realidad del que los circunda, transformándose en repeticiones de un mismo tema, con pocas, y no por ello felices, variaciones, encarnando la carta de identidad, de estatus y nobleza, se convirtió en moda.

En el caso venezolano, uno de los períodos emblemáticos de la participación del ornamento bajo los preceptos de moda y estatus es el colonial, grandes fortificaciones, arquitectura religiosa e increíbles tipologías de casas se desarrollaron en paralelo a los intrincados patrones que decoraban las superficies; el cemento hidráulico se manifestó de forma masiva dentro de un contexto de precariedad, simulando los complejos patrones de encastres de granito y mármol que recorrían los suntuosos palacios de Europa.

Partiendo del registro de estos Sistemas de Ornamento con pavimentos de cemento hidráulico, entendiendo la superficie decorada como documento a viva voz del período en que se realizó, objeto de diseño y a la vez símbolo de las raíces de nuestro pueblo, se desarrolló un estudio de la composición geométrica y cromática de los patrones de diversos pavimentos

empleados en las casas de la burguesía caraqueña del período colonial, cuyo fin es el de hallar patrones genéricos que permitan concentrar la historia en gráficos, para dilucidar los problemas propios de la sociedad contemporánea bajo el crisol del pasado, retomando el ornamento como elemento de contenido y no como elemento contenedor.

Venezuela en Franjas

2009-06-24T12:18:00.001-07:00

Zona en Reclamación

Como arquitecto, los sistemas y las relaciones espaciales están siempre presentes sin importar el contexto; haciendo un ejercicio mental bajo la búsqueda de la identidad venezolana, entendida bajo la perspectiva geográfica, a partir de los límites espaciales de una región donde habita la sociedad, encontré con gran angustia la carencia de un mapa actual de Venezuela.

Por ello presento el siguiente cartel, donde esbozo a manera contemporánea el nuevo perfil venezolano, exento de la zona en reclamación, siendo ella misma una Gran Zona en Reclamación. Apuntando directamente a la masa de habitantes que vive en coordenadas ajenas a la nuestra, dejando de generar identidades propias, creando una carencia de sentido de pertenencia que finalmente afecta la creación propia.

Raspao in Seattle

2009-04-08T08:18:00.000-07:00

Teñido Efímero.

Seattle 2008

Utilizando pigmentos de neón para consumo humano, reminiscencias del sistema de coloración de los tradicionales Raspaos venezolanos, se generó en la avenida (42dn Av. & 82st NE, Seattle) un nuevo pavimento sobre los 25cm de nieve que borraron cualquier vestigio de intervención humana. Una retícula de círculos cromáticos de carácter lúdico yuxtapuesto al pálido e inminente blanco, extendida por mas de 30m de longitud, 6 horas de trabajo a -3C y sólo 3 horas de duración para disfrutarse, efímero como un raspao.

Partiendo de las imágenes de registro se generaron composiciones de carácter fractal, homenaje a la configuración geométrica de los cristales de nieve, creando a través de estas, objetos y patrones de exceso sobre el blanco, recrear con imágenes la memoria cultural de color y exuberancia que cohesiona la identidad cultural del trópico.

Joyas Orgánicas

2009-04-07T16:24:00.000-07:00

Bocatto di Cardenale

Dirección artística, Revista Velvet. #2 Primavera 2009

Concepto Global, Concepción cromática, Selección de joyas, Ejecución de instalaciones vegetales de soporte.

Allá por la antigüedad, las pitanzas adquirían carácter de prominentes cuando las cantidades vencían, incluso, a las calidades, y entonces mesas y manteles debían ser “estirados” por medio de tablones endosados y telas emparchadas para que las kilométricas bandejas cupieran tanto en la superficie como en los opíparos estómagos de los muy conspicuos invitados. Lo maravilloso es que la crisis mundial ha estado redelineando aquellas conductas para propiciar entonces una economía ajustada al ahorro y, por ende, una silueta menos rotunda. Aquí una brillante lección de cómo el lujo puede comulgar con la bolsa, pero plástica, de supermercado, en versión de frutería reticulárea. A veces monocromática. Siempre refractal. CFLM

Fotografía: Natalia Brand /Asistente: Anita Carli / Dirección Artística: Rodolfo Agrella / Director Creativo: Carlos Flores León-Márquez Joyería Daoro + Swarovski / Catering Le Bistrot

Squared In/ Squared Out

2009-03-26T16:41:00.000-07:00

Rodolfo Hardcore Agrella.

Progresiones en Miami.

del 14 de marzo al 18 de abril

Hardcore Contemporary Art Space. Miami

Muestra colectiva del abstraccionismo geométrico, curada por Andreina Fuentes, con la participación de Ani Villanueva, Benito Laren, Carlos Trilnick, Claudia Bueno,Efren Candelaria, Gladys Triana, Leandro Comba, Nina Dotti, Pancho Quilici, Pepe López y Richard Garet; presentando dos obras de mi autoría HOMO proprius y HOMO alienus, de la Serie Progresiones, basada en el estudio de las dinámicas de los órganos sexuales durante el perídodo de irrigación sanguinea.

imágenes cortesía de Hardcore Art Contemporary Space

save control

2009-03-26T15:55:00.000-07:00

Control de Marionetas. Volumen 1

Instalación.

Lo que presento forma parte de un primer grupo de objetos de la serie Control de Marionetas, crítica de los sistemas de regulación de la vida en ciudad, layers de los que nunca nos percatamos porque somos títeres dentro de una sociedad que cree tener vida propia. La serie de piezas flotantes explora a través de la fotografía, los objetos articuladores de los sistemas de transporte urbano, levitando sobre la cabeza del usuario, marcando un ritmo férreo en la vida urbana. Símil formal y conceptual del elemento de manejo del títere, cruceta, control o mando, del cual se sujetan con finos hilos el muñeco inerte, como cada uno de nosotros dentro del network de la sociedad.

Prensa 2008

2009-03-26T13:46:00.001-07:00

Revista. Club Magazine . Volumen 8, # 35

Diseño Integral: Portafolio 2008 . Made in Venezuela

"La integralidad es un azar que, en Venezuela y el mundo, aspira convertirse en norma. O lo que es igual a proclamarse en línea de conducta generalizada. Y esto porque es hora de que el país comience a padecer del síntoma renacentista que hizo grande a la “era de los descubrimientos”: todos sabían hacer de todo, y lo hacían muy bien. Sin embargo mientras eso se masifica, Rodolfo Agrella riega el quasi exclusivo perfume de sus destrezas de diseñador integral. (…) es ejemplo fidedigno de que el Renacimiento ya habita, auque en ciernes, entre nosotros." Carlos Flores León-Márquez

Revista. OD Caracas live. Diciembre 2008

Por Amor al Arte. Rodolfo Agrella: Una mirada ecléctica y vanguardista.

(…) Rodolfo Agrella se pasea por la pintura, la escultura, la arquitectura y el diseño con una mirada ecléctica, atendiendo sus propias inquietudes de artista y en lo laboral las necesidades que exige cada proyecto. Parece hasta una forma camaleónica que siempre sorprende con la elegancia de la mimetización. María José Morr Graterón

Revista. Medio Informativo.# 11. Julio 2008

Entrega Final. Recinto Ferial

Revista. Club Magazine . Volumen 8, # 36

Iconografía + Diseño Vegetal + Iconología: La Flor de mi Secreto

Instalaciones florales

Revista. Exceso. Septiembre 2008

Excesoscopio: Lo mejor de lo mejor. Venezuelan Style

"En estos tiempos postmodernos prova la individualidad sobre el colectivo. Los filántropos son una raza en vías de extinción. En cambio, lo egoístas pululan y buscan chucherías de toda índole para satisfacer sus necesidades o caprichos. A veces lo hacen con sofisticados objetos de diseño que, además de ser cómodos, elegantes y funcionales, embellecen espacios y los salpican de vanguardia. Para aquellos que no piensan más que en su comodidad y en su diversión, Exceso ofrece una vitrina de curiosidades y frusilerías que, marcadas con el sello “ Hecho en Venezuela”, salieron de los talleres del curso “Identidad para llevar. Souvenirs del Siglo XXI”, que el British Council dictara a jóvenes promesas del diseño nacional". Manuel Gerardo Sánchez

Recinto Ferial Chacao

2009-03-26T12:09:00.000-07:00

Proyecto de Tesis

UD9 FAU-UCV

2007

Mención Honorífica

Plantearse el final de la carrera no es trabajo fácil, requiere de un enorme desprendimiento, aun mas si existe un gran sentido de pertenencia con los espacios y el palpitar de una institución que lucha constantemente en convertirse en hogar para el pensamiento. Ciertamente como cierre de un ciclo, se deben demostrar destrezas y conocimientos decantados en el transcurso de los años de estudio, manifestar con claridad que se puede dominar la profesión y que se ha transformado en parte íntegra de nuestra vida

De la Mano al Vector. El proceso.

El disfrute del proyecto viene dado por el proceso intrínseco de pensamiento y como a medida que se va desarrollando nos apropiamos de él, tamizándolo bajo nuestras ideas. Conceptualmente, el Recinto debería ser un espacio fluido, tanto para el peatón, para el visitante, como para los procesos de montaje y desmontajes de las diferentes ferias y convenciones, cada uno de estos agentes bajo un tiempo y un recorrido especifico, similares a los canales de una gran autopista, y dada su ubicación, el espacio debería cumplir con un carácter de conector urbano pero a escala peatonal. Particular e inevitablemente en este caso, el desarrollo formal de la idea comenzó bajo la exploración plástica y pictórica, ejecutando modelos abstractos a escala de un material de fácil tallado, conformando una colección de piezas con características cromáticas y formalmente diversas, las cuales se pueden agrupar y componer de variadas maneras para ensamblar el conjunto. Este recurso lúdico permitió ampliar la gama de posibilidades compositivas, de acuerdo con el contenido programático-volumétrico del Recinto Ferial y de su vocación de espacio público, dinámico y vacío. Una vez seleccionada una de las variadas opciones, llego el momento de editar, de acuerdo al funcionamiento interno del Recinto, análogo a las sensaciones de los recorridos espaciales y sus tiempos; el momento del vector, de las medidas, de las normas, sin sacrificar las ideas poéticas.

El Recinto Ferial Chacao se concibe bajo la idea de una esbelta plaza de plataformas, sobre las cuales flota un gran volumen apoyado en una estructura de amplias luces, inserto dentro de un contexto bastante caótico, convirtiéndose en un objeto contundente, reconocible a distancia, por ende, de fácil ubicación y no por ello ajeno al lugar, cumpliendo con los principios programáticos de un edificio con tal complejidad de usos, en sólo dos cuerpos.

post coito 28

2009-01-03T22:45:00.000-08:00

Registro post-coital. Sexo2

Rutina post coital.

Resultante del sistema de registro del Proyecto Sexo2, que busca el análisis espacial de los encuentros sexuales, se desprende el proyecto Sexo2 Post Coito, exponiendo la vulnerabilidad del ser al encontrarse desnudo y en proceso de limpieza luego de la relación sexual.

Video participante del Festival de Video Arte Periscopia. Auspiciado por Cultura Chaco y Led Media, en septiembre de 2008

el verbo popule meus

2009-01-03T20:43:00.000-08:00

La poesía de aproximación sexual del venezolano.

Partiendo de un extenso registro de piropos, realizado en las diversas construcciones y sectores de crecimiento informal de caracas, se desarrolla el proyecto de comunicación Verbo Popule Meus, colando a través del tamiz del diseño las diversas frases impregnadas de vulgaridades de recurrente uso en el hablar del venezolano promedio, mediante la creación de un prendedor de bajo costo que transporta la oración a las masas.

Los piropos seleccionados para este proyecto en específico, se enfocan en el proceso del cortejo, donde el individuo como el Romeo de Shakespeare, aflora sus encantos en un constante recital de groserías.

El Verbo Popule Meus ha sido invitado a participar dentro del Proyecto Changarrito en los espacios del Salón Jóvenes con FIA en el marco de la Feria Iberoamericana de Arte de Caracas 2008. De igual manera en Art Basel Miami 2008 y forma parte de la colección permanente de la Fundación Changarrito dirigida por Máximo Gonzáles.

budare

2009-01-03T18:45:00.001-08:00

Identidad para llevar.

Iniciativa del British Council , quien ha organizado esta experiencia en Moscú, Varsovia, Bruselas, Budapest, China e India, Souvenirs del Siglo XXI, taller teórico-referencial dictado por diseñadores británicos y venezolanos a un variopinto grupo de jóvenes hacedores de venezuela, durante octubre del 2007, buscaba generar objetos que transmitieran una identidad contemporánea de venezuela, a través de la interacción de los participantes en grupos de diseño basados en palabras que refieren a elementos de la idiosincrasia del venezolano: : Diversidad, Burda, Contraste, Chévere, Caos.

El grupo Burda, del cual fui partícipe junto a Karina Machín (diseñadora gráfica) , Roberi Parra (diseñador de moda) y Astrid Quevedo (diseñadora gráfica). Ejecutó dos proyectos, un budare y un liqui-liqui, actualmente en la exposición itinerante del British Council, Identidad Para Llevar

“Según el diccionario de la Real Academia Española, se define Burda/o, como toda acción o cosa tosca, basta o grosera, características de personajes incultos o del campo. En Venezuela, existe la folclórica tradición de desvirtuar los conceptos o palabras, generando a partir de ésta una nueva acepción o noción, incluyéndolo dentro del lenguaje diario. No era la excepción que la palabra "Burda" cruzara ese límite y se transformara en acompañante de adjetivos para expresar mucha cantidad de algo y así exagerar su condición primera. De allí surgen las frases "Burda de Fino", "Burda de grande" y "Burda de Buena".

Partiendo del principio de exageración de esta palabra, extrapolamos este concepto al campo del diseño, expresado en lo absoluto del color, lo absoluto del material y lo absoluto o múltiple del uso, el 100% de algo.

Entrando en el campo de la función, se pensó en reinterpretar un objeto de uso recurrente y representativo del venezolano y que, por ende, estuviese presente en casi la totalidad de los hogares del país, de allí parte la idea de ejecutar un Budare, utensilio básico para la fabricación de uno de los platos típicos venezolanos: La Arepa. Su fin como souvenir es el de recrear en el portador algún recuerdo de la experiencia con la mesa criolla.

Según la historia, se cree que la arepa nació hace más de 2.000 años, a raíz del descubrimiento del maíz por lo pueblos indígenas, tal es el caso de los Cumanagotos, quienes molían el grano de maíz "erepa" (origen de la palabra "Arepa"), sobre una piedra cóncava con forma de batea. La harina resultante mezclada con agua servía para dar forma a las arepas, las cuales se cocinaban sobre una especie plancha de arcilla colocada al fuego llamada "Aripo" o "budare". El Budare de metal que conocemos hoy en día, fue introducido por los holandeses en el siglo XVI, sustituyendo al de barro cocido.

Al enfrentar al Budare como objeto y la posibilidad de que convirtiese en sello reproductor de la cotidianidad gastronómica venezolana, emergió inmediatamente la idea de intervenir la tradicional plancha metálica plana colocándole tipografía en altorrelieve. La palabra Arepa se transformaría entonces en el medio de reproducción de las imágenes de viajero, de esta manera un simple filete, una panqueca o un sandwich quedaría marcado con la palabra, etiquetando el alimento como Arepa, y de ésta manera desplegar en el consumidor el recuerdo de su experiencia con el 'pan' venezolano.”

Karina Machín.

plantae pixelae

2008-12-24T00:59:00.001-08:00

la familia pixelae.

Por encargo de un ente institucional, se generó el sistema de murales Pixelae, compuesto por tres grandes piezas que recorren espacios internos y externos del complejo educativo. El proyecto se fundamenta en los conceptos compositivos del píxel, utilizando como recurso constructivo el mosaico de teselas vítreas. La primera etapa del proyecto se centró en la concepción y posterior ejecución del primer mural Plantae Pixelae, basado en un estudio botánico del contexto, ubicando las características formales de las plantas mediante un estudio fotográfico y la posterior creación de un catálogo en duotono

Las piezas Lucis Pixelae y Celulosium Pixelae, enfocadas en la características de la luz y los troncos de los árboles respectivamente, se encuentran en etapa de proyecto.

progresiones

2008-12-24T00:43:00.001-08:00

síntesis del movimiento.

representación gráfica de las dinámicas de los órganos genitales, resultado de la irrigación sanguínea de los mismos

retratos

2008-12-23T23:49:00.000-08:00

Esta serie de auto retratos contempla imágenes propias intervenidas, inscritas dentro de un marco de composición fractal, resultado del estudio formal de las diversas losetas de cemento hidráulico del período colonial venezolano, así como del sistema compositivo de las mismas. En un intento por rescatar el pasado y ensamblar los fragmentos del presente. Pedazos que ensamblan la propia historia